Художник италия с усами

Мона Лиза глазами дадаистов и поп-артистов

В 1919 году своим “шедевром” искусства – “ДЖОКОНДА С УСАМИ” художник-дадаист Марсель Дюшамп бросил вызов обществу. Картину он назвал L.H.O.O.Q. – если быстро читать название, то оно звучит по-французски как “elle a chaud au cul “– “у меня горячая задница”… и объявил, что его произведение гораздо лучше и современнее!

«Джоконда бритая», — так Марсель Дюшамп обычно называл классический образ Моны Лизы.

Шедевр долгое время украшал в офис Французской коммунистической партии в Париже…

Но нет предела совершенству! Дюшамп смог более радикально “улучшить” Мону Лизу – это картина “L. H. R. O. O. Q.“, которую Дюшан так и не решился выставить на публике. Он тайно любовался этой картиной, повесив ее в своей ванной!

С большим восторгом эта версия Моны лизы была воспринята дадаистами. Движение Дада возникло в 1916 году в Швейцарии, в свяязи с открытием артистического клуба – “Кабаре Вольтера” в Цюрихе. Дадаизм отражал протест художников-авангардистов против стандартов и ценностей общества, не сумевшего предотвратить Первую мировую войну. Что обозначает понятие “дадаизм” – не знает никто!

Вот что пишет об этом названии один из ярких представителей дадаизма и его идейный вождь Тристан Тцара в манифесте 1913 года: “Дада – это хвост священной коровы у племени Кру, в некоторых областях Италии так называют мать, это может быть обозначением детской деревянной лошадки… и воспроизведением младенческого лепета. Во всяком случае – нечто совершенно бессмысленное, что отныне и стало самым удачным названием для всего течения”. Целью Дада стало максимальное упрощение предметного языка искусства. По словам Георга Гроса, дадаисты представляли собой воплощение чистого нигилизма, разрушая образность “ради великого Ничто”.

Абсолютный нигилизм поколения дадаистов не был легкомысленной позой, он оказался спровоцированным драматическим историческим контекстом – войной в Европе 1914 – 1918 гг. В начале 20-х годов еще свежи были воспоминания о страшной бойне, страсти были накалены. Ален и Одетт Вирмо в своей энциклопедии “Метры сюрреализма”, упоминая Дада, пишут: “Чтобы в этой раскаленной атмосфере суметь навязать новые идеи, приходилось кричать как можно громче. Тон задавали апостолы войны и глашатаи победы… Попытки заглушить царящие в то время ура-патриотические речи были небезопасны и предполагали исключительную мощь легких. Дадаисты к этому времени, как известно, встали в решительную оппозицию всем “воякам” и той цивилизации, которая пожелала, допустила и воспела войну. При этом они выбрали язык насмешки, абсурда, почти буффонады”.

Дадаизм в принципе отвергал всякую позитивную эстетическую программу и предлагал “антиэстетику”. К нему пришли художники разных направлений – экспрессионисты, кубисты, абстракционисты и прочие. “Программа” и “эстетика” дадаизма заключалась в разрушении всяких эстетических систем и всякого стиля посредством того, что сами дадаисты восхищенно именовали “безумием”. Для них “разумное, доброе, вечное” обанкротилось, мир оказался безумным, подлым и эфемерным.

Дадаизм с первых своих шагов оказывается космополитическим движением. Завсегдатаями “Кабаре Вольтера” были представители многонациональной художественной богемы: румын Тристан Тцара, немец Хуго Балль, франко-немец Жан Ганс Арп и др. Большим авторитетом пользовался в среде дадаистов Сальвадор Дали.

С 1942 г. времени родоначальник дадаизма Марсель Дюшамп почти постоянно находился в Америке. Там он продолжал работать над любимыми «реди-мейдами». Например, в 1958 г. он выставил на суд зрителей жилет. Затем – рубашку. В целом, пятидесятые годы прошли для художника под знаком непрерывных выставок. Дюшамп мог быть абсолютно счастливым. Его работы последних лет – карандашные рисунки влюбленных мужчины и женщины – свидетельствуют о том, что радости и счастья, а также былого сарказма хватало ему с избытком до конца жизни.

Другие идеи и течения вышли вперед. Но верным продолжателем дадаистской традиции скандалов и публичных выходок стал Сальвадор Дали.

А вот Мона Лиза по прежнему не давала покоя Дюшампу! И в 1964 году он изготовил 38 усатых Джоконд!

А гений поп-арта Энди Уорхол решил не отставать, и тоже «размножил» Мону Лизу под девизом «Лучше тридцать, чем одна!»

«Это одна из величайших икон XX столетия и шутка, конечно, тоже. Но эта шутка дала направление многим мастерам поп-арта, как Уорхол, Лихтенштейн, Принс… Все они шли за Дюшампом», — сказал РИА Новости вице-президент торгового дома Бретт Горви.

Шедевр Леонардо поразил Уорхола в начале 60-х годов, когда картина впервые была привезена из Лувра и выставлена в Америке. Это было событие огромного резонанса — открывали выставку президент США Джон Кеннеди и первая леди Жаклин Кеннеди, которой Уорхол также посвятит не одну из своих работ. Очереди в Национальную галерею в Вашингтоне, а затем в Нью-Йоркский Метрополитен начинали выстраиваться еще до пяти часов утра. «Почему они не сделали с нее копию и не привезли ее? Никто бы даже и не заметил разницы», — заметил тогда Уорхол, который вначале для своих интерпретаций Мадонны использовал брошюры музея Метрополитен, отпечатанные к выставке.

“Голубая” Мона Лиза Уорхола 1978 года исполнена в четырех ликах.

«Он повторил ее изображение четыре раза, словно говоря — все в жизни повторяемо, ничто не уникально», — полагает Горви.

Энди Уорхолу также принадлежит авторство двойнго портрета Моны Лизы (Double Mona Lisa), который был выставлен в аукционном доме ‘Christies’, Лондон, Великобритания, 3 апреля 2006.

Знакомый всем образ мадонны у Уорхола — без усов, хотя многое в своем творчестве он «подсмотрел» у Дюшампа. Его «осмысление» Леонардо было продано на торгах за 3,6 миллиона долларов, вдвое дороже нижней планки ожиданий.

«Все три Моны Лизы стали иконами. Оригинальная Мона Лиза была стартовой точкой. Дюшамп с ее помощью переформатировал искусство всего XX века и дал направление концептуализму, и Мона Лиза Уорхола стала отображением в искусстве американского рационализма и потребительства», — сказал Горви.

Очередная “Мона Лиза” Энди Уорхола, выполненная им в 1979 году, была продана на торгах Sotheby’s за 1,8 миллиона долларов. Предпродажный эстимейт лота составлял 1,5-2 миллиона долларов.

А в 2010 году «Мона Лиза» Дюшампа с подрисованными усами и бородкой была признана иконой поп-арта и продана на аукционе «Кристис» в Нью-Йорке почти за полмиллиона долларов, впятеро дороже ожиданий устроителей аукциона.

Источник статьи: http://charming-face.ru/blog/43236616683/Mona-Liza-glazami-dadayistov-i-pop-artistov

Сами с усами: самые знаменитые усачи

В прежние времена такой, казалось бы, личный вопрос как наличие растительности на лице мужчины, нередко становился предметом дискуссий. Брить или не брить? Носить или не носить? Лишь твердые духом представители сильной половины человечества позволяли себе пренебрегать текущим общественным мнением по этому вопросу. Среди стойких приверженцев усов – немало художников и других представителей творческих профессий. Вспомним, кого из них невозможно представить гладко выбритыми!

Сальвадор Дали

По части оригинальности в негласном рейтинге с большим отрывом лидирует знаменитый сюрреалист . Узнаваемые тонкие «стрелки» с закрученными и непримиримо торчащими вверх кончиками удостоены отдельной категории в гиде по стилям, составленном Американским институтом усов (AMI). Они так и называются – «Дали». Сам художник относился к ним с трепетом и наделял громкими эпитетами: антиницшеанские, оптимистичные, сверхрационалистические, обращенные в небо, как башни Бургосского собора. Во время эксгумации останков художника, проведенной через 28 лет со дня захоронения из-за иска об установлении отцовства, эксперты обнаружили, что усы отлично сохранились.

Гюстав Курбе

Полотно, названное «Отчаяние», по сути – автопортрет начинающего художника. Усы и борода типа «французская вилка» подчеркивают душевное состояние схватившегося за голову юноши (и придают ему некоторое сходство с Джонни Деппом, который тоже отдает предпочтение этому стилю).

Второй автопортрет написан в тяжелый момент: когда Курбе ожидал суда в одиночной камере тюрьмы Сен-Пелажи. К тому времени к усам добавилась окладистая борода.

Питер Пауль Рубенс

Жизнелюб Рубенс уделял большое внимание внешности: его аккуратная бородка и закрученные усы типа «велосипедный руль» выглядят холеными и ухоженными.

Караваджо

Живописец носил козлиную бородку и щеголеватые усы: за исключением неприятного периода, когда скрывался от папских ищеек и в целях маскировки сбрил растительность на лице и облачился в дорожный наряд священника.

Поль Гоген

На автопортретах живописец почти всегда предстает с усами. По классификации того же AMI, их называют «шеврон».

Источник статьи: http://zen.yandex.ru/media/veryimportantlot/sami-s-usami-samye-znamenitye-usachi-5d47488bbc251400ae3d573d

Самые знаменитые усачи

В прежние времена такой, казалось бы, личный вопрос как наличие растительности на лице мужчины, нередко становился предметом дискуссий. Брить или не брить? Носить или не носить? Лишь твердые духом представители сильной половины человечества позволяли себе пренебрегать текущим общественным мнением по этому вопросу. Среди стойких приверженцев усов – немало художников и других представителей творческих профессий. Вспомним, кого из них невозможно представить гладко выбритыми!

Сальвадор Дали

По части оригинальности в негласном рейтинге с большим отрывом лидирует знаменитый сюрреалист . Узнаваемые тонкие «стрелки» с закрученными и непримиримо торчащими вверх кончиками удостоены отдельной категории в гиде по стилям, составленном Американским институтом усов (AMI). Они так и называются – «Дали». Сам художник относился к ним с трепетом и наделял громкими эпитетами: антиницшеанские, оптимистичные, сверхрационалистические, обращенные в небо, как башни Бургосского собора. Во время эксгумации останков художника, проведенной через 28 лет со дня захоронения из-за иска об установлении отцовства, эксперты обнаружили, что усы отлично сохранились.

Гюстав Курбе

Полотно, названное «Отчаяние», по сути – автопортрет начинающего художника. Усы и борода типа «французская вилка» подчеркивают душевное состояние схватившегося за голову юноши (и придают ему некоторое сходство с Джонни Деппом, который тоже отдает предпочтение этому стилю).

Второй автопортрет написан в тяжелый момент: когда Курбе ожидал суда в одиночной камере тюрьмы Сен-Пелажи. К тому времени к усам добавилась окладистая борода.

Питер Пауль Рубенс

Жизнелюб Рубенс уделял большое внимание внешности: его аккуратная бородка и закрученные усы типа «велосипедный руль» выглядят холеными и ухоженными.

Караваджо

Живописец носил козлиную бородку и щеголеватые усы: за исключением неприятного периода, когда скрывался от папских ищеек и в целях маскировки сбрил растительность на лице и облачился в дорожный наряд священника.

Поль Гоген

На автопортретах живописец почти всегда предстает с усами. По классификации того же AMI, их называют «шеврон».

Источник статьи: http://zen.yandex.ru/media/veryimportantlot/samye-znamenitye-usachi-5d487a5cecfb8000acf22991

Джоконду с усами признали иконой поп-арта XX века

НЬЮ-ЙОРК, 12 ноя — РИА Новости, Лариса Саенко. Одно из самых знаменитых полотен мирового искусства, «Мона Лиза» (Джоконда) Леонардо да Винчи, с подрисованными усами и бородкой признано иконой поп-арта и продано на аукционе «Кристис» в Нью-Йорке почти за полмиллиона долларов, впятеро дороже ожиданий устроителей аукциона.

Усы и козлиную бородку на самой обычной типографской бумажной копии хрестоматийного шедевра набросал карандашом не школьник-шалун, а французский художник Марсель Дюшан, ниспровергатель классических канонов и один из основоположников концептуализма.

В 1964 году он изготовил 38 таких усатых Джоконд, на торги в Нью-Йорке был выставлен экземпляр номер 21. Тонкие знатоки жизни и творчества как великого Леонардо, так и эпатажного Дюшана усмотрели в усатой Моне Лизе сенсационные по тем временам намеки фрейдистского толка. Аббревиатура, которой снабжены все 38 шедевров Дюшана, только добавляет пикантности художественному «прочтению» классики. С годами сам художник при переводе закодированной цитаты на английский придал ей более приемлемое на публике звучание.

«Это одна из величайших икон XX столетия и шутка, конечно, тоже. Но эта шутка дала направление многим мастерам поп-арта, как Уорхол, Лихтенштейн, Принс. Все они шли за Дюшаном», — сказал РИА Новости вице-президент торгового дома Бретт Горви.

На этот же самый аукцион была выставлена еще одна Джоконда в стиле поп-арта — от Энди Уорхола, суп «кэмпбелл» и бутылка «Кока-колы» которого были проданы на этой неделе за сенсационный 24 и 35 миллионов долларов. Художник изображал то, что любил — еду и доллары.

Шедевр Леонардо поразил его в начале 60-х годов, когда картина впервые была привезена из Лувра и выставлена в Америке. Это было событие огромного резонанса — открывали выставку президент США Джон Кеннеди и первая леди Жаклин Кеннеди, которой Уорхол также посвятит не одну из своих работ. Очереди в Национальную галерею в Вашингтоне, а затем в Нью-Йоркский Метрополитен начинали выстраиваться еще до пяти часов утра. «Почему они не сделали с нее копию и не привезли ее? Никто бы даже и не заметил разницы», — заметил тогда Уорхол, который вначале для своих интерпретаций Мадонны использовал брошюры музея Метрополитен, отпечатанные к выставке.

Голубая Мона Лиза Уорхола 1978 года исполнена в четырех ликах.

«Он повторил ее изображение четыре раза, словно говоря — все в жизни повторяемо, ничто не уникально», — полагает Горви.

Знакомый всем образ мадонны у Уорхола — без усов, хотя многое у своем творчестве он «подсмотрел» у Дюшана. Его «осмысление» Леонардо было продано на торгах за 3,6 миллиона долларов, вдвое дороже нижней планки ожиданий.

«Все три Моны Лизы стали иконами. Оригинальная Мона Лиза была стартовой точкой. Дюшан с ее помощью переформатировал искусство всего XX века и дал направление концептуализму, и Мона Лиза Уорхола стала отображением в искусстве американского рационализма и потребительства», — сказал Горви.

«Джоконда бритая», — так упрямо при жизни называл классический образ Моны Лизы нон-конформист Марсель Дюшан.

Источник статьи: http://ria.ru/20101112/295640655.html

Яркие герои комедий дель арте в живописи, или Оставляем себе частичку веселья праздничных дней

Ну вот, праздники закончились, и мы вновь отправляемся в серые будни.

— А можно ли оставить себе частичку ярких красок и веселья праздничных дней? — Безусловно, это даже необходимо сделать в эти серые пасмурные, наполненные холодами, дни и вечера! Нам помогут наши замечательные советские комедии! И сегодня я остановилась на одной из ярких и радостных — «Труффальдино из Бергамо»! Все помнят и хорошо знают персонажей фильма, так прекрасно продемонстрировавших нам маски Комедии дель арте: Труффальдино, Пантолоне, служанка Смеральдина, Распони и Флориндо Аритузе, Бригелла.

Для меня интересным является то, что все персонажи фильма полностью соответствуют канону комедии дель арте: это венецианский квартет масок (первый дзанни Бригелла, второй дзанни Труффальдино, Доктор Ломбарди, Понтолоне), две пары влюбленных (Флориндо — Беатриче, Сильвио — Клариче), Капитан и девушка-дзанни Смеральдина. Именно эти образы являеются и героями карнавальных масок в ежегодном Венецианском карнавале. Даты проведения карнавала привязаны к датам Великого поста и Пасхи. Поэтому даты проведения карнавала меняются каждый год. В 2017 году венецианский карнавал пройдёт с 11 по 28 февраля. При желании, конечно, можно отправиться в Венецию за хорошим настроением и яркими красками, а можно, приложив свои умения и фантазию, создать костюмы и маски для следующего Нового года или самые различные украшения в стиле карнавальных масок, или же, как это делаю я, костюмы куклам — героям комедии дель арте. Так давайте продлим себе праздник, поднимем наше настроение ну, и узнаем что-то новое и интересное для себя. Итак, что же такое «Комедия дель арте»? Оказывается, в древнеримском театре существовал вид народного театра, называемый ателланы. Это были непристойные фарсы, первоначально импровизированные, актёры которых также носили маски; некоторые из персонажей ателланов были сходны по характеру маски с персонажами комедии дель арте (как, например, римская маска Папуса и итальянская маска Панталоне), но говорить об ателланах как о предшественнике комедии дель арте, неправомерно, — разрыв традиции между ними составляет более двенадцати столетий. Скорее всего, речь может идти только о схожести обстоятельств, в которых рождались эти виды театра. Комедия дель арте родилась через посредство карнавальных празднеств. Другим фактором стало зарождение национальной итальянской драматургии. Новые пьесы сочиняют Л. Ариосто, Н. Макиавелли, Б. Бибиена, П. Аретино, но все эти пьесы мало пригодны для сцены, они перенасыщены персонажами и обилием сюжетных линий. Эта драматургия получает название «учёной комедии» (итал. Commedia erudita).

Анджело Беолько (Рудзанте) в первой половине XVI в. сочиняет пьесы, используя технику «учёной комедии», но играет свои спектакли на венецианских карнавалах. Путаные сюжеты сопровождаются трюками и здоровым крестьянским юмором. Вокруг него собирается небольшая труппа, где обозначается принцип tipi fissi (когда одни и те же персонажи-маски участвуют в различных по содержанию сценариях). Тогда же утверждается использование на театральных подмостках народной диалектной речи. Наконец, Беолько ввел в драматическое действие танец и музыку. Это не было ещё комедией дель арте, — Беолько и его труппа всё ещё играли в рамках заданного сюжета, у него не было свободной игры и импровизации, — но именно он открыл дорогу для возникновения комедии. Первое упоминание о театре масок относится к 1555 г. Количество масок в комедии дель арте очень велико (всего их насчитывается более ста), но большинство из них являются родственными персонажами, которые различаются только именами и незначительными деталями. К основным персонажам комедии относятся два квартета мужских масок, маска Капитана, а также персонажи, не надевающие маски, это девушки-дзанни и Влюблённые, а также все благородные дамы и кавалеры. Количество масок в комедии Дель Арте очень велико (всего их насчитывается более ста), Мужские персонажи Северный (венецианский) квартет масок: Панталоне (Маньифико, Кассандро, Уберто), — венецианский купец, скупой старик; Доктор (Доктор Баландзоне, Доктор Грациано), псевдо-учёный доктор права; старик; Бригелла (Скапино, Буффетто), — первый дзанни, умный слуга; Арлекин (Меццетино, Труффальдино, Табарино), — второй дзанни, глупый слуга.

Южный (неаполитанский) квартет масок: Тарталья, судья-заика; Скарамучча, хвастливый вояка, трус; Ковьелло, первый дзанни, умный слуга;Пульчинелла (Полишинель), второй дзанни, глупый слуга; Капитан, — хвастливый вояка, трус, северный аналог маски Скарамуччи; Педролино (Пьеро, Паяц), слуга, один из дзанни. — Лелио (также, Орацио, Люцио, Флавио и т. п.), юный влюблённый.

Женские персонажи: Изабелла (также, Лучинда, Витториа и т. п.), юная влюблённая; часто героиню называли именем актрисы, игравшей эту роль; Коломбина, Фантеска, Фьяметта, Смеральдина и т. п., — служанки.

И немного о характерах персонажей:

Дзанни Слуги зовутся здесь «дзанни», от имени Дзана Ганасса — актера, прославившего этот образ и маску Арлекина. Вначале дзанни были вспомогательными персонажами, простыми крестьянами, неотесанными носителями комичных диалектов, с помощью которых смешили зевак до упаду любой речью со сцены. Постепенно они перешли в разряд слуг:

Первый дзанни — умный, изворотливый слуга (Бригелла, Ковьелло, Скапино, Буфетто).

Второй дзанни — глупый, невезучий слуга (Арлекин, Пульчинелла, Меццетино, Труфальдино, Табарино, французский Полишинель и русский Петрушка).

Девушки-служанки (Коломбина, Фантеска, Смеральдина, Сорветта, Франческина, Мирандолина).

Дзанни — одни из старейших масок на уличных театральных подмостках, продолжатели шутовских традиций. Эти слуги — разорившиеся крестьяне, они покинули родные места и подались в город в поисках лучшей доли. Горожане любили посмеяться над пришлыми, поэтому с восторгом принимали эти маски «деревенщин». Второй слуга частенько являлся полным дураком.

Выделяются два квартета масок: венецианский (северный) и неаполитанский (южный).

Панталоне (Уберто, Кассандро, Маньифико)

– старик, скупой купец. Этот образ — далекий потомок древнеримской театральной маски Папуса из, так называемых, ателланов — веселых непристойных фарсовых комедий. В наряде Панталоне имеются красные штаны, впоследствии названные его именем, короткая красная куртка и черный плащ. Его обувь — домашние туфли желтого цвета. Маска Панталоне скрывает лицо только наполовину, она красного, бордового или коричневого цвета, с орлиным длинным носом, под которым кустятся седые усы и остренькая бородка, комично двигающаяся при разговоре.Обычно Панталоне стоит в центре интриги. Как правило, он — слабый больной старик, когда-то весьма удачливый венецианский купец, чем ужасно кичится. С годами утратил смелость, могущество и даже ум. Панталоне на сцене кряхтит, сморкается и хромает. У него шаркающая походка старика, скрипучий голос, радикулит и несварение. При этом он не прочь поволочиться за юными девицами, впрочем, всегда неудачно.

Доктор — старик, псевдоученый, правовед или врач.

Он обладает грубым диалектом, носит длинную мантию и короткие панталоны, куртку, шапочку и кожаный пояс. Вся одежда и туфли с бантами – черного цвета, кроме широкого белого воротника и манжет. Черная маска Доктора обычно закрывает лицо полностью, но иногда только лоб и нос, а щеки густо румянятся. Это очень толстый персонаж, что не мешает ему быть похотливым. Он сыплет непонятными терминами на латыни, перевирая их нещадно, на самом деле невежественен и тщеславен. Чтобы импровизировать на тему псевдонауки, актеру были нужны истинные научные знания для создания комических реплик из их обрывков. В XII веке Болонья, откуда прибыл Доктор, была центром научных знаний, ее юристов приглашали короли. А к XVI веку их знания потеряли связь с реальной жизнью и стали бесполезны. Уличные артисты не упустили возможность высмеять таких горе-ученых, и публика сочла маску Доктора очень смешной.

Бригелла — умный слуга, первый дзанни.

Обладает отрывистым диалектом, съедающим окончания. Носит длинные панталоны, блузу и шапочку. Весь костюм белого цвета с зеленой отделкой, а обувь из желтой кожи. За поясом у Бригеллы — кошель и нож. Лицо закрывает темная маска с черными усами и бородой, торчащими во все стороны. Выходец из крестьян, Бригелла стал хитрым и ловким слугой, часто вороватым. Его находчивость вызывает восхищение. Он всегда холост. Много и громко говорит, с женщинами развязан, со стариками нагл, смел с трусами. Умеет чувствовать силу и становиться услужливым. Бригелла всегда действует против стариков и помогает влюбленным. Актер в этой маске хоть и находится на втором плане, зато играет на гитаре и владеет акробатическими трюками (лацци).

Арлекин — глупый слуга, второй дзанни.

Носит яркий костюм, в основном желтый. Крестьянская рубашка и панталоны Арлекина усеяны разноцветными заплатами в виде ромбов, яркая шапочка на голове, на поясе кошель. Черные легкие туфли прекрасно подходят для выполнения трюков. Черная маска Арлекина на лбу имеет большую бородавку. Лоб и брови выделены, черные волосы взъерошены. Большие щеки и выпученные глаза. Арлекин постоянно совершает глупости и смиренно принимает наказание. Он ленив и прожорлив, обожает женщин. С господами скромен и учтив. Глупое ребячество и постоянно сыплющиеся на голову бедного Арлекина горести вызывают сочувствие толпы.Во Франции Арлекина часто величали Домиником по имени Доменика Бьянколелли. Этот актер создал существующий до сих пор сценический образ Арлекина. Во многих других странах появлялись персонажи, очень напоминавшие Арлекина. В России — это Петрушка, побеждавший всех и вся и воплощавший образ непобедимого трудового народа.

Тарталья — в переводе «заика».

Толстый, робкий и забитый старик, находящийся на государственной службе. Здесь можно наблюдать парад чиновничьих профессий: судья, нотариус, аптекарь или полицейский. Персонаж испанского происхождения, плохо владеющий итальянским языком, к тому же сильно заикающийся. Это его основная черта, которую актер часто обыгрывает в сценках. Усиленная борьба с заиканием на фоне серьезного монолога в суде, например, принимает очень комичный оборот, местами непристойный. Сценический костюм Тартальи – это костюм, соответствующий должности служащего, с форменной шляпой на лысой голове, на носу «восседают» гигантские очки.Появился этот персонаж в Неаполе в XVII веке. Постепенно должности Тартальи росли. Эту маску на сцене стали носить и министры, и сын короля (в пьесе-сказке «Любовь к трем апельсинам» Карла Гоцци).

Скарамучча (французский Скарамуш) — переводится как «маленький забияка».

Эта маска имеет схожие элементы с венецианской маской Капитана. Но Скарамучча часто бывает бит, ведь ему не всегда удается избежать драки. Он не похож на захватчика, но хвастлив, как и Капитан, и очень труслив. Особенность персонажа — сильная мимика и жестикуляция. Французские актеры порой лишали эту маску шпаги и костюма военного, вручали гитару. С уст Скарамуша слетали фривольные песенки, акробатические трюки тоже входили в его роль. Вместо маски Скарамушу белили лицо, чтобы работать с помощью мимики. Такой обезоруженный Скарамучча и дошел до наших дней. Эта маска породила образ Пасквирелло (Пасквино) – хитрого слуги-вруна, обжоры и пьяницы.

Ковьелло – умный слуга, первый дзанни.

Разговаривает на сочном неаполитанском диалекте. Бывший крестьянин, ставший слугой. Облегающий костюм состоит из панталон и жилета. Отличительная деталь гардероба – шляпа с перьями. Красная длинноносая маска, на клювоподобный шнобель которой часто водружены очки. Ловкач и прохвост, Ковьелло все время кривляется, танцует и играет на музыкальных инструментах. В северной части Италии маска не прижилась, ее там сочли непристойной. Зато переезд во Францию был удачным. Мольер взял ее в комедию «Мещанин во дворянстве». Многие актеры пытались внести в образ Ковьелло новые детали или черты других масок, например, Пульчинеллы. Кто-то пытался политизировать ее. Но такие маски долго не существовали.

Пульчинелла – глупый слуга, второй дзанни.

Помимо черт глупого деревенского слуги, он может похвастаться порой сметливостью и находчивостью горожанина. Но важно, чтобы образ на сцене во время представления выявлял что-то одно: либо хитрость, либо глупость. Почти всегда персонаж женат и рогат. Поэтому имеет некоторые черты венецианцев: Панталоне и Доктора. Маска очень популярна, вторая после Арлекина. Пульчинелла может менять профессии: сторож, садовник, торговец, солдат, вор. Костюм из простой ткани, высокая шляпа. Нос маски большой, крючковатый или петушиный. Голос писклявый, на спине – горб. Персонаж шагнул далеко за пределы Италии, став национальным героем многих стран. Так во Франции родился Полишинель, воспетый Мольером, в Англии – Панч, в Германии Гансвурст, в Дании господин Йокель. И русский Петрушка позаимствовал у Пульчинеллы основные черты.

Лелио (Флориндо, Флавио, Орацио) – юный влюбленный.

Персонаж часто носил имя играющего его актера. Вокруг пары влюбленных и разворачивалась вся интрига комедии, при этом в самом действе им отводилось незначительное место. Старики мешали их счастью, а слуги помогали. Масок влюбленные не носили, одевались изысканно, разговаривали литературно, и не было нужды в их импровизации. Поэтому роли они заучивали наизусть. Судьба влюбленных из комедии дель арте – всегда быть в тени персонажей дзанни. Восприятие их неземной любви носит легкий оттенок иронии.

Женские персонажи Изабелла – юная прекрасная влюбленная

.

Персонаж, аналогично персонажу влюбленного, часто носил имя той девушки, актрисы, что выступала в ее роли. Это были имена: Виттория, Фламиния, Лучинда. Помимо заученных слов, роль влюбленных состояла из жеманного томленья. Они то и дело вздыхали, пытались свести счеты с жизнью от невозможности любви, но в конце комедии воссоединялись.

Служанка при одном из стариков, приехавшая из деревни, активная участница интриги комедии. Деревенские повадки и речь напоминают Арлекина, за которого она частенько выходила замуж в конце представления. Это веселая, жизнерадостная девушка, честная и порядочная. В городских условиях она может чувствовать себя неуютно, но простой и прямой характер помогает ей выживать и находить кратчайший выход из затруднительных ситуаций. Коломбина, как и все женские персонажи, не носила маску. На расцвете комедии дель арте ее нарядом было красивое платье, позже оно покрылось яркими заплатами и стало очень похоже на костюм Арлекина. Французский театр с радостью позаимствовал этот образ и стал активно использовать. Деревенская дуреха превратилась в типичную субретку – бойкую служанку, чья находчивость помогает господам в любовных интригах. В таком виде она и вошла в пьесы Бомарше и Мольера.

Комедия дель арте в России

С начала XVIII века начались итальянские гастроли в России. А к концу века во всех московских и петербургских домах устраивались пышные костюмированные венецианские карнавалы. Следующим бум комедии дель арте пришелся на XX век. Величайшие артисты и художники обратили к ней свой взор и стали черпать вдохновенье, переосмысливая образы, делая их многогранными. Блок переписал комедию в трагедию «Балаганчик». Мейерхольд поставил пантомиму «Шарф Коломбины» и создал практику биомеханики — актерскую гимнастику для проработки сценических движений. Пьеса Гоцци «Принцесса Турандот» в театре Вахтангова идет с 1922 года.

А вот несколько произведений художников на темы комедии дель арте.

Но давайте вновь вернемся к нашему советскому фильму «Труффальдино из Бергамо». Он был снят 1976 году на «Ленфильме». Источник сценария – пьеса Карло Гольдони «Слуга двух господ», которая была написана в XVIII веке для одной из миланских комедийных трупп. Честно говоря, после более подробного знакомства с масками венецианской комедии, я немного по-другому взглянула на персонажей этого фильма. В кинофильме максимально соблюдены каноны комедии масок: действующие лица и их имена, костюмы и декорации, музыкальные и трюковые номера, даже простоватая речь слуг. Сюжет и эпоха увлекают, погружая в игру. Все это — и есть обаятельная и стильная формула успеха «дель арте».

Спасибо всем, кто заглянул ко мне! Буду рада, если ваш день сегодня заиграл новыми более яркими красками венецианского карнавала!

Источник статьи: http://www.livemaster.ru/topic/2191955-yarkie-geroi-komedij-del-arte-v-zhivopisi-ili-ostavlyaem-sebe-chastichku-veselya-prazdnichnyh-dnej